No mercado, tem muita variedade de cores de tintas… Será?
E a variedade de cores que tem nos programas de computador, não é muito maior?
Então, veja como variar um pouco mais as cores dos potinhos e tubinhos de tinta.
Abaixo: link para tintas e pincéis que costumo usar:
Tinta Acrílica Maimeri – https://amzn.to/44XcVdB
Pincéis baratinhos/pincel escolar, bom para espalhar a tinta e deixar marcas e texturas):
Nesse vídeo, eu falo sobre os 10 ERROS que você deve evitar em seu PORTFÓLIO DE ILUSTRAÇÃO DE LIVROS INFANTIS.
Conheça também o meu Passo a passo do Portfólio Perfeito – R$ 47,00
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Muita gente fala que, o que eles mais gostam nas minhas ilustrações, são as texturas.
E muitas vezes, me perguntam como fazer algumas delas, se é o papel, a tinta ou o pincel que eu uso.
De fato, texturas dependem não somente do material que usamos, mas também das técnicas.
Por isso, resolvi trazer aqui um livro que ensina algumas delas, em várias técnicas.
Então, se você quer aprender texturas, para usar em suas artes, ou até em suas ilustrações, esse livro pode ajudar.
O importante é lembrar de inserir seu PRÓPRIO ESTILO nessas texturas, para não ficar tão realista e perder a ludicidade da ilustração para livros infantis.
Assista ao vídeo abaixo para conhecer. 🙂
Caso você tenha interesse, eu comprei esse livro aqui: https://amzn.to/4rkn4KH
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Dias atrás, estava lendo sobre o que nos move e no que acreditamos. Então, pensei: por que não fazer um ‘manifesto’ do que acredito?
E, é claro, coloquei meus pensamentos a respeito da Ilustração em 10 itens e chamei de Manifesto da Trilha Ilustrada.
Aí vai:
1. Aprender a desenhar é treinar não somente a mão, mas também o olhar, seu jeito de ver as coisas. Ver texturas, cores e até mesmo narrativas em outros contextos, como filmes e livros que não são infantis.
2. Todo ilustrador está sempre aprendendo. O desenvolvimento acontece quando o estudo e a prática deixam de ser esporádicos e se tornam parte da rotina. E estamos sempre nos aperfeiçoando, melhorando, querendo fazer cada dia melhor. Faz parte da arte.
3. Assim como aprender técnicas, é preciso compreender como se faz um desenho que conta uma história. E nisso, a forma, a proporção, a composição entram como fundamentais. Anatomia e perspectiva não são tiranos que te impedem de fazer o ‘perfeito’. São auxiliares que te ajudam a transmitir uma mensagem visual ainda melhor. Temos que cuidar, no entanto, para que o perfeccionismo não tire a espontaneidade de nosso trabalho.
4. Cada traço conta. Tudo que você coloca na sua ilustração conta. Linhas firmes ou fluidas, cores, texturas e elementos incorporados — tudo transmite sensações e emoções. Suas escolhas refletem o seu estilo.
5. O estilo nasce da repetição consciente de alguns detalhes. O estilo surge quando sua técnica encontra consistência e as suas escolhas começam a refletir você e sua personalidade em seu trabalho.
6. Ninguém nasce ilustrador – me desculpe, mas não vi ainda um bebê que desenhe melhor que outro. Nos tornamos ilustradores quando nos dedicamos a esse trabalho com dedicação e seriedade, e não nos deixamos abater pelos altos e baixos da vida (que tem em qualquer profissão).
7. O chamado talento pode até ajudar no início. Quem tem aptidão, já começou com vantagem. Porém, mesmo que não tenha, acredito que todos podem aprender a ilustrar, com disciplina, estudo e dedicação. E lembre-se: o trabalho duro vence o talento, quando o talento não trabalha duro.
8. Ter uma mentalidade otimista, de paciência e persistência. Não se deixe abater por críticas e julgamentos, nem tenha medo de expor seu trabalho. O seu trabalho é importante e impacta a vida das crianças. Eu sei, é dificil, mas não existe o bônus sem o ônus.
9. Comparar-se aos outros desanima e atrapalha o processo. Cada ilustrador é único e a única métrica válida de comparação é a evolução do próprio trabalho. Aquele ilustrador que você admira pode ter passado anos trabalhando de modo anônimo, até que um dia colheu os frutos do seu trabalho.
10. Ser proativo para aprender e aplicar, e ter paciência para aguardar os resultados. Porque, se você realmente se dedicar, estudar e se aprimorar, os frutos virão.
E você, acredita nisso também? Comente abaixo.
Todo ilustrador começa com medo. Uns disfarçam melhor, outros travam de vez. Mas ninguém está imune àquele friozinho que aparece quando a gente olha pro papel em branco e pensa:“E se eu não for bom/a o suficiente?”
A verdade é que o medo não é sinal de que você está no caminho errado. Ele é apenas o lembrete de que você está prestes a fazer algo importante.
No início, a gente acha que o medo vai desaparecer quando ficar “bom”. Mas não vai. Pior que ele continua lá. Eu sei sobre isso muito bem. O medo de começar se torna o medo de ‘e se não gostarem’?
No começo, o medo é de começar. Depois, é de mostrar. Mais tarde, de não ser aceito/a, de não conseguir viver disso, de decepcionar alguém. De alguém nos criticar.
Eu mesma, quando comecei, sentia medo de mostrar meus trabalhos. Achava que todo mundo desenhava melhor do que eu — e que se eu mostrasse o meu desenho, iriam dizer ‘que legal’ — e, por trás, dizer que eu não levava jeito para a coisa.
Hoje, depois de mais de trinta livros ilustrados, às vezes ainda sinto medo… e vou te falar — de coração — que tem uma frase que todo mundo fala que é muito verdade:
— Se tá com medo, vai com medo mesmo.
O medo faz parte da vida. Ele tem uma função útil: ele tenta nos proteger.
Mas, na arte, ele se confunde com o perfeccionismo — aquela voz interna que diz que o traço ainda não está bom, que a ideia ainda não é original o bastante, que o material — ou a hora certa — ainda não chegou.
E é aí que a gente trava: esperando o momento ideal. Aquele dia em que vai sobrar tempo, inspiração e coragem ao mesmo tempo — o que, convenhamos, nunca acontece.
O segredo é aceitar o medo e começar mesmo assim. Não existe “sem medo”. Existe apesar do medo.
Se tem uma coisa que aprendi com o tempo é que ação gera coragem. Não o contrário.
É fazendo que vamos ‘nos tornando’ ilustradores. É desenhando com a mão trêmula que você aprende a firmar o traço. É terminando o primeiro desenho torto que você se aproxima do segundo — que já sai um pouco melhor.
A prática é o que transforma medo em confiança. Cada vez que você termina um desenho, ainda que imperfeito, você acumula uma pequena prova de que é capaz. E são essas pequenas provas que, juntas, constroem o que a gente chama de segurança.
Foi só depois de ‘alguns livros’ que eu me senti confortável em dizer que eu era — de fato, ilustradora. Hoje, mesmo finalista do Prêmio Jabuti, tem horas que eu ainda me surpreendo: e não é que eu realizei o meu sonho de ser ilustradora? Acho que todo mundo tem um pouco disso.
Muita gente diz: “Não nasci com talento pra isso”. Mas o talento é um mito confortável. Ele faz parecer que quem tem sucesso nasceu pronto — e, por consequência, quem tem medo estaria condenado a não conseguir.
Na verdade, o que existe é constância. Quem desenha bem é quem não parou quando o desenho ficou feio. É quem entendeu que cada tentativa é parte da lapidação do olhar e da mão.
Se o seu traço hoje não é o que você queria, não é porque falta talento — é porque falta tempo de prática.
Existem muitos tipos de medo, e reconhecer qual é o seu já é metade do caminho. Há o medo técnico, de não saber desenhar “direito”, de errar as proporções, de não dominar o material.
Há o medo emocional, aquele que sussurra que o seu trabalho nunca será bom o bastante.
E há o medo social, de se expor, de ser julgado, de ouvir críticas. Para mim, esse é um dos piores.
Cada um deles pede um antídoto diferente, mas todos têm cura parecida: ação constante, gentileza consigo mesmo/a e foco no processo, não no resultado.
Algumas sugestões simples, mas que ajudam:
Vou fazer um workshop gratuito no sábado, dia 01/11, às 8h.
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Quando a gente começa a desenhar, é fácil achar que o problema está em “não ter talento”. Na verdade, essa ideia já está até enraizada na gente.
Mas, na verdade, o que atrapalha são alguns hábitos e o que a gente hoje em dia chama de crenças limitantes, que quase todo iniciante carrega.
Eu mesma já passei por todos eles — e é preciso, além de agir, mudar um pouco nossa mentalidade.
Aqui estão os 10 erros mais comuns que vejo:
1. Comparar o próprio traço com artistas experientes
Eu sei. A gente vê eles fazendo tudo LINDO e dá até um desânimo, né? A gente pensa: nunca vou chegar nesse nível. Mas esquece que eles tem anos de experiência.
Você sabia que, só de ilustrações publicadas, eu já fiz mais de 1000? Isso, fora as que ainda não foram publicadas, painéis, ilustrações avulsas, etc…
Temos que entender que é até injusto – consigo mesmo(a) – se comparar com quem desenha há anos.
E como eu já falei uma vez num outro artigo, tente se comparar com você mesmo(a) de três, seis meses ou até 1 anos atrás. Esse é o progresso que realmente importa.
Pegue uns desenhos do ano passado e coloque lado a lado e compare com os de hoje. Não estão muito melhores?
Eu vejo, hoje, ilustrações que fiz quando comecei, em livros publicados, e penso: que vontade de refazer. Rsrs…. Mas faz parte de minha história: eu tive que ‘engatinhar’ antes de começar a andar.
2. Querer estilo próprio antes de dominar o básico
Todo mundo sonha em ter “um traço único”. Eu até dou aulas sobre estilo no meu curso Método INGRID. Mas… estilo é consequência de prática, não ponto de partida.
Eu costumo dizer que não é você que encontra seu estilo: é ele que te encontra à medida que você vai desenhando e praticando.
Primeiro aprenda fundamentos — formas, proporções, luz, sombra. Seu estilo, provavelmente, vai nascer daí.
3. Ignorar proporções e formas simples
Eu sempre digo que não é preciso desenhar perfeitamente, com anatomia e perspectiva impecáveis. Mas, é verdade que, ter uma base ajuda muito.
Uma ilustração não precisa, sobretudo na área de literatura infantil, ser perfeita.
O imperfeito também é bonito, mas mesmo assim, pratique muito, faça e refaça suas ilustrações, tentando melhorar o primeiro esboço.
Acredite: eu faço isso até hoje (dá uma olhada na imagem do esquilo).
4. Não estudar luz e sombra
Luz e sombra também não precisam ser perfeitos. Algo imperfeito pode até se tornar divertido, como uma sombra diferente do objeto para enfatizar algo.
Mas, sem luz e sombra, o desenho pode ficar muito “chapado”, sem volume.
E é um fato que, num mundo em 3 dimensões, luz e sombra dão um toque especial a qualquer ilustração.
Experimente iluminar um objeto e desenhar as partes claras e escuras. É simples, mas muda bastante.
5. Exagerar nos detalhes cedo demais
Já vi muitos alunos se perderem em texturas e cores sem antes acertar a composição. Primeiro, pense no conjunto. Depois vá refinando os detalhes.
Veja se o todo fica legal antes de começar a desenhar cada fio de cabelo. Às vezes, eu viro a página e vejo de cabeça para baixo, pois ajuda muuuuito a perceber se algo não está legal.
E é nessa hora que eu aproveito para refinar o que não está bom.
6. Medo de errar o traço
Esse medo deixa o desenho duro, sem vida. Solte a mão. Permita-se rabiscar, errar, apagar, tentar de novo. O erro faz parte do aprendizado.
Eu costumo usar papel vegetal para esboçar e depois repasso numa outra folha quando cheguei ao que queria. Isso faz com que você não tenha medo do papel em branco e seu traço fica leve.
Você pode usar papel vegetal ou uma mesa de luz (a minha é uma luminária plana), como essas daqui: https://amzn.to/481dlBI
7. Não observar referências reais
Quando desenhamos só “da cabeça”, caímos sempre nos mesmos formatos.
Infelizmente, a gente acha que sabe exatamente como é um objeto, mas quando vai ver, aquele objeto pode ser de vários formatos.
Olhe para o mundo real. Observe pessoas, objetos, animais… e depois transforme isso em ilustração. Você vai ver que tem muitas variedades de uma só coisa e isso vai transformar seu trabalho de ilustração.
8. Pular a etapa do rafe/esboço
Começar direto no “final” é receita para frustração. Faça rascunhos soltos, experimente, brinque com possibilidades.
Faça thumbnails, experimente composições… O rascunho é um “laboratório”, não perda de tempo.
9. Usar materiais ruins ou inadequados
Você não precisa ter os materiais mais caros. Mas também não precisa desenhar com caneta num caderno pautado da sua infância. Acredite: já recebi ilustrações no Instagram que eram feitas assim e com papéis até rasgados.
Lápis que não desliza, papel que rasga, tinta de má qualidade…tudo isso atrapalha. Não precisa ser o material mais caro, mas escolha ferramentas mínimas de qualidade para não se frustrar.
Às vezes, não queremos gastar num bom lápis, mas a diferença entre você ficar satisfeito com seu trabalho, ou não, pode estar na qualidade do material. E esses materiais nem sempre são mais caros do que aquele cafezinho, tomado todo dia, por um mês inteiro.
Há efeitos que eu faço, nas minhas ilustrações, que nem todas as marcas de tinta permitem. Algumas são muito líquidas, ou muito ‘plásticas’, não deixando passar o lápis por cima. Podem até ser mais caras, mas duram anos.
10. Desistir rápido demais
Muita gente para porque acredita que “não nasceu com talento”. Mas desenhar não é dom — é prática, treino e curiosidade. Se você continuar, vai evoluir. Não tem como não se desenvolver.
A prática não leva à perfeição, mas leva ao aperfeiçoamento. Algumas pessoas vão pegar rápido, e outras vão demorar mais. Mas com prática, aprendizado e constância, a gente chega lá.
Conclusão
No fim, todos esses erros têm um fundo em comum: a pressa. Pressa de ter estilo, pressa de ver resultado, pressa de parecer profissional.
Eu sei: eu também não gosto de esperar. Quem gosta, né?
Mas aí tem o problema: a gente não quer esperar, mas ficamos procrastinado para começar.
Não percebemos que, se todo dia fizermos um pouquinho, o tempo passa tão rápido que, quando a gente vê, já conseguiu chegar ao objetivo.
E o pior: a vida passa e perdemos tempo só fazendo o que é urgente e não trabalhamos no que nos dá propósito.
Na sua jornada de ilustração, cada esboço vira um passo importante.
A sacada é: prática sem aprendizado vira repetição “cega”.
Aprendizado sem prática fica só na teoria.
E os dois, sem constância com propósito, se perdem no tempo.
Se quiser começar com algo pequeno, experimente o meu Curso Online de Desenho de Personagens. Tenho certeza de que vai gostar. Olha só o que a Maria e a Cris falaram:
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Ingrid Osternack Barros Neves 
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