Materiais & Ilustração

Quando entro numa loja de materiais artísticos, me sinto de certa forma desorientada. São tantas as possibilidades e tantos materiais, que fico deslumbrada.

Existem milhares de coisas nessas lojas, mas a verdade é que a arte não precisa de materiais caros nem complicados para ilustrar. A oferta e variedade maiores e uma questão de marketing, mas não quer dizer que você precisa de tudo isso pra fazer suas ilustrações.

Na verdade, com papel e um lápis, uma pessoa tem condições de fazer uma ilustração linda. Do mesmo modo, com softwares caros, alguém que não tem habilidade com desenho e com o software, por mais que tenha programas maravilhosos, pode não consegui fazer nada.

Então, fazer uma ilustração não é questão de ter materiais dos mais caros e sofisticados. É claro que, se você tiver um pincel adequado, e um papel pra desenho, o resultado pode ter mais qualidade. No entanto, mesmo esses materiais mais específicos não precisam ser dos mais caros. Há pincéis baratos que são muito bons.

Quantas vezes não compramos um material que custa um pouco mais e ficamos esperando aquele momento especial, para fazer aquela obra de arte especial, e não usamos por medo de estragar? Se você comprar um papel muito especial, pode até ficar com medo de usar e isso pode até inibir a sua criatividade. Pode até pensar que está “desperdiçando” material ao ficar com medo de errar. Eu confesso: tenho uns papéis especiais, de algodão, para aquarela. Tem muitos anos que comprei e economizo ao máximo. Vou usando aos poucos para “poupar”.

Acredito que produzir arte dependa de alguns fatores: certa habilidade, recursos materiais e tempo.
Se alguém tem lindos materiais, papel de algodão, pincéis de pelo de marta, mas não sabe o que fazer com eles, conseguirá ter um bom resultado?

Se tiver bons materiais e habilidade, mas se não empregar o tempo necessário no projeto, conseguirá um bom resultado? Ou, ainda que fique bom, se tivesse empregado mais tempo, será que não teria feito algo melhor?

Portanto, sugiro que compre materiais de bom custo benefício. Não aqueles tão baratinhos, que nem aparecem no papel quando você pinta – tipo escolar – mas também não precisa de uma caixa de lápis no valor de um salário-mínimo. E existem algumas assim. São, de fato, materiais de muita qualidade, mas há materiais muito bons que dão ótimos resultados.


Algumas sugestões pra começar:


Ilustrações com Lápis de Cor


Papel 120 a 180g/m2 (eu prefiro 180g/m2)

Lápis H-HB-2H

Borracha

Apontador

Lápis de cor aquarelável ou bem macio

Para ilustrar com aquarela


AquarelaPapel 300g/m2

Lápis

Borracha

Apontador

Pincéis de cerdas macias (chato, redondo, fininho)

Para ilustrar com tinta acrílica


Tinta acrílica de várias cores

Papel 300g/m2

Lápis

Borracha

Pincéis variados

O Famoso Medo do Papel em Branco

Foto profissional grátis de acima, ambiente de trabalho, anterior

Todo ilustrador, mesmo os mais experientes, tem uma certa inércia para começar uma ilustração.

  • O que devo desenhar?
  • Como fazer essa composição?
  • Como será o personagem?
  • Que tipo de cenário é o mais adequado?
  • Que tipo de enquadramento eu apresento?
  • O que é mais importante evidenciar?
  • O que o escritor pensou ao fazer isso?

Essas são apenas algumas dúvidas sobre o assunto, as escolhas são muitas e quem deve definir isso, em muitos casos, é o ilustrador.

Parece um trabalho fácil, mas ilustrar demanda uma série de habilidades. Não basta ter um traço bonito e pintar colorido. É necessário aprender a compor, conhecer o básico de perspectiva, teoria das cores, entre outros aspectos.

Tudo isso faz com que tenhamos um certo medo ao começar. É é bem nessa hora que surge o famoso medo do papel em branco, afinal, o ilustrador cria algo praticamente do nada. Então, aí vem a procrastinação que, até mesmo de modo sutil e subjetivo, pode vir a prejudicar o seu rendimento e muitas vezes o seu desenvolvimento.

O medo do papel em branco nada mais é, na minha opinião, que o receio de ser desaprovado pelos outros ao apresentar o seu trabalho. Quando muita gente elogia, criamos confiança no que fazemos, recebemos aprovação social daquilo que fazemos. Mas quando estamos começando e não temos ainda uma reputação profissional, seja diante dos outros, seja para nós mesmos, podemos nos sentir perdidos quando temos que iniciar um trabalho.

Entretanto, uma das formas para evitar esse medo é pensar que todos cometem erros. E se cometemos um erro, e não pudermos consertar, basta pensar que é só uma folha de papel e um pouco de tinta. Aí você pode argumentar: “ah, mas eu gastei horas nisso!” – Pode ser, mas foi um aprendizado. E esse aprendizado – mesmo com um resultado diferente do que você esperava – poderá poupar muitas horas do seu tempo no futuro. Embora resultados que não apreciamos e imprevistos nos deixem frustrados, também nos ensinam a sair de nossa zona de conforto. Quantas vezes um imprevisto não gerou uma nova ideia? Quantas invenções que hoje utilizamos não foram fruto de imprevistos e resultados inesperados

Ao se defrontar com esse medo de começar, pense: o medo não impede o erro, só impede o seu desenvolvimento.

Portanto, se existe erro, o maior erro é ter medo de começar.

Acrílico – Minha técnica preferida

Muitos artistas usam lápis de cor, aquarela e acrílico para ilustrar. Eu gosto muito da tinta acrílica, porque é muito versátil e seca rapidamente, o que me permite dar continuidade ao trabalho sem precisar esperar muito.

Podem ser usadas de várias maneiras, bem fluidas ou bem espessas, dependendo do efeito que eu desejo dar na ilustração. As cores são vibrantes e tem muita variedade.

Quanto às marcas, tem muita opção, principalmente as importadas. Embora um tubinho de tinta acrílica pareça um pouco cara de início, dura tanto tempo que compensa o investimento.

Uma das características que mais aprecio no acrílico é que, como seca rápido, eu posso fazer modificações imediatamente, principalmente se errei ou o resultado do que fiz não ficou do meu agrado.

Eu uso tintas de várias marcas. Já testei tintas acrílicas fabricadas em vários países e, não é porque estudei na Itália, mas gosto bastante das tintas italianas. Não são tão famosas quanto de outros países, e não se encontram tão facilmente aqui no Brasil, mas duram muito tempo, tem boa cobertura e apresentam uma boa pigmentação.

O acrílico é solúvel em água, mas depois que seca, é muito resistente e, se você (como eu) se suja enquanto pinta, use roupas antigas ou então já manchadas. Tenho várias roupas com marcas de tinta, inclusive meias (não sei como isso foi acontecer…).

Há tintas acrílicas de diferentes consistências no mercado, e é importante testar para ver o que você mais gosta. Eu gosto muito da tinta Maimeri Polycolor. Embora não seja a top de linha deles, tem uma qualidade incrível. A top de linha da Maimeri é a Brera, que eu também tenho, mas uso menos, porque a Polycolor vem em potinhos de vidro que são muito práticos.

PINCÉIS PARA ACRÍLICO

Com o tempo, a tinta acrílica danifica um pouco os pinceís, então cerdas naturais macias não são uma boa opção. Eu sou fã dos sintéticos e compro sempre pincéis com cerdas desse tipo. Uma exceção são os pincéis amarelos que utilizo, comprados em papelarias, lojas de tintas de parede e até supermercados, que são de pelo de porco. Tem excelente custo, as cerdas não soltam e duram bastante tempo. Com eles faço efeitos que me agradam muito. Desse tipo, ainda não encontrei rivais importados. São bons e baratos.

Embora existam vários formatos de cerdas, eu gosto mais dos pincéis chatos (flat). São meus preferidos.

MISTURA DE TINTA

Costumo misturar a tinta antes de aplicar na superfície (papel ou tela), mas faço alguns efeitos após seca também. A escolha das cores depende do que o cliente me pede pra fazer ou da sensação que quero dar na cena. Alguns autores me pedem: “faça bem colorido”, e costumo seguir a orientação deles.

A tinta acrílica seca muito rápido, então eu evito colocar na paleta uma quantidade de cor muito grande, pois pode secar e tendo a evitar desperdício. Existem alternativas para evitar isso, como borrifar água sobre a paleta ou fazer o que chamam de ‘paleta úmida’, mas prefiro trabalhar com uma cor de cada vez, pois acho que facilita o meu processo. Se o tempo está quente, eu adiciono um pingo de água na tinta que está sobre minha paleta para manter úmida por mais tempo.

Eu armazeno minhas tintas em caixas de plástico e os tubos em uma gaveta com um suporte para temperos, longe do sol e do calor, que fazem a tinta secar mais rápido dentro da embalagem.

PAPEL PARA ACRÍLICO

Existem papéis específico para acrílico no mercado, mas uso bastante papéis de alta gramatura ou papéis para aquarela. Conheço ilustradores que usam outros tipos de superfície e até papéis de cartazes. O importante é que a superfície do papel não fique ondulada.

Para finalizar, deixo uma relação das marcas que já testei e algumas considerações que são fruto da minha experiência com ilustração infantil.

Maimeiri Polycolor – boa cobertura, opaca, não muito brilhante, boa pigmentação, dura muito tempo

Maimeri Brera – boa cobertura, opaca, não muito brilhante, boa pigmentação, dura muito tempo, preço mais alto

Pebeo – já testei dois tipos: Studio e Extra Fine

Pebeo Studio – boa durabilidade, transparentes, superfície final ‘plástica’, menor pigmentação, custo um pouco menor por ser destinada a estudantes. Para as técnicas que utilizo, não consegui bom resultado.

Pebeo Extra Fine – excelente cobertura, opaca, boa pigmentação, durabilidade razoável, pois algumas secaram nos tubinhos antes que eu usasse a tinta toda.

Liquitex

Liquitex Basics – voltada para estudantes, é bem transparente, a superfície final é ‘plástica’, tem menor pigmentação, e menor custo. Também não uso mais para minhas ilustrações.

 Liquitex Heavy Body – excelente cobertura, opaca, boa pigmentação, boa durabilidade

Daler Rowney

System 3 – A tinta acrílica tem boa cobertura e boa pigmentação

Cryla – Também da Daler Rowney, comprei dessa tinta Cryla enquanto morava na Suécia. Tem excelente cobertura, é espessa, boa pigmentação, mas em poucos meses mudaram a consistência dentro da embalagem e acabei perdendo uma porção de tubinhos com bastante tinta ainda, infelizmente.

Winsor & Newton Artist Acrylic – Muito boa pigmentação, cobertura e durabilidade.

LeFranc & Bourgeois Acrílico para Artistas – De bom custo x benefício, tem também boa cobertura, boa pigmentação e tem uma consistência não tão espessa. Duram bastante e tem uma boa variedade de cores. As que eu tenho vem em tubos de metal.  

Ferrario – Artist Acrilic – dessa marca, só tenho esse tubinho e uso bem pouco. Mas tem boa cobertura e durabilidade.

Enfim, recomendo que você teste as tintas antes de adquirir uma grande quantidade de cores, pois podem ter características que você não gosta. Ressalto que o que falei aqui é com base em minha experiência e pode ser que outros artistas, usando outras técnicas, ou até em outras condições climáticas, tenham opiniões diferentes. Bom final de semana!

O Trabalho Por Trás Da Ilustração

Como falamos no artigo Ilustrador – Compositor e Intérprete Ao Mesmo Tempo, entendemos que um ilustrador faz um composição artística quando produz uma ilustração.

Uma ilustração não é somente um desenho. Por trás de uma composição, há muito trabalho envolvido. Trabalho que o cliente – e a maioria das pessoas – não vê e às vezes nem sabe que existe.

Para começar, um ilustrador é que transmite, visualmente, uma ideia ou um conceito. Quando o cliente solicita uma ilustração, é necessário entender qual a mensagem que ele pretende transmitir aos seus leitores.

Você pode imaginar a complexidade em tentar produzir, visualmente, uma ideia que está na cabeça de outra pessoa? Transformar em visível aquilo que é abstrato, e nem é você quem está pensando?

Mais que ilustradores, somos criadores de imagens. Por mais que o cliente passe um briefing do que deseja, é o ilustrador que vai determinar a forma, as cores e o estilo de um personagem, por exemplo.

Vários aspectos fazem parte da concepção de uma ilustração. Precisamos entender o conceito que o cliente quer passar, captar o que está nas entrelinhas, fazer um interpretação do texto ou da ideia. 

Além disso, a obra final precisa ser harmônica, transmitir não somente a mensagem, mas também emoções e sensações. É necessário analisar os aspectos da composição, os melhores pontos de vista para aquele determinado trecho da narrativa, o sentido de leitura que vai orientar o leitor, entre outras técnicas de composição que estudamos para que o resultado final da ilustração seja agradável aos olhos de nossos pequenos leitores.

Todo esse trabalho criativo nem sempre é considerado, e muitas vezes as pessoas nem tem ideia de que existe. E isso leva tempo.

Ilustradores são ‘tradutores’ e ‘intérpretes’ visuais.

Ingrid Osternack

Para produzir uma ilustração, há que se pesquisar, pois não podemos desenhar algo que não conhecemos. Ainda que existam mundos imaginários, e possamos explorar nosso lado criativo nessas horas, há muitas histórias que se passam em lugares conhecidos. E mesmo os mundos imaginários tem inspiração em cenários reais.  O tipo de cenário de um livro que se passa na Escandinávia é completamente diferente de um cenário no Caribe. E isso tem que ser levado em consideração. Por mais que tenhamos nossa “licença artística”, dependendo do trabalho que você faz, às vezes o cliente quer algo que seja verdadeiro. Mesmo pesquisando muito, já fiz ilustração com os protagonistas numa casa, quando eles tinham habitado numa tenda. Isso não dizia no texto, e mesmo ao pesquisar, esse detalhe escapou. O autor fez o comentário e modifiquei, uma vez que era um livro infantil baseado em uma história real.

Eu havia pesquisado bastante, e esse acontecimento me fez pesquisar ainda mais sobre os assuntos que costumo ilustrar. Isso demanda tempo e faz parte do processo de construção de uma ilustração. Uma vez publicado o livro, se erramos algo, fica marcado praticamente para sempre.

Outro aspecto são os rascunhos para concepção dos personagens. É preciso imaginar como cada personagem é e como ele se vestiria, e se comportaria tendo determinada personalidade.

É óbvio que algumas pessoas pensam que os computadores fazem tudo. Minhas ilustrações não são digitais, mas alguns clientes imaginam que são os softwares que fazem todo o trabalho. Que é rápido e não requer nenhuma habilidade. Mas tanto as tintas quantos os softwares são apenas instrumentos, assim como também é um fogão para um chef de cozinha. Uma pessoa com habilidade e criatividade na cozinha faz pratos maravilhosos, enquanto outra pessoa, mesmo que tenha um fogão mais novo, com mais recursos e mais tecnologia, pode vir a não fazer sequer um ovo cozido.

Também é assim com o ilustrador: não basta ter todos os instrumentos, se faltam ideias, técnicas, habilidades, criatividade, inovação e até mesmo vontade. Sim, diria que ter vontade é 50% do trabalho. Porque para começar, a gente tem que ter vontade de fazer. Meu irmão costuma usar a frase: “Quem quer, arruma um jeito, quem não quer, arruma uma desculpa”. Muitas vezes, e me incluo nisso, não realizamos o que queremos porque ficamos protelando, dizendo que não temos tempo, que não é a melhor hora, que não temos recursos, que não sabemos nem por onde começar. Quantas vezes já usei essas desculpas…

Li há alguns dias que, se sonhamos acordados com alguma coisa, só o fato de imaginar já deixa a gente feliz. E é por isso que não tomamos atitudes diante do que queremos fazer. Não sei, de fato, se é assim, mas explicaria a razão da gente procrastinar e esperar o momento certo pra agir em favor de nossa realização profissional.

Mas voltando ao nosso tema, ser ilustrador requer muito mais que saber unir linhas e formas. É preciso ter noções de desenho, conhecer técnicas, materiais adequados, conhecer algumas regras de composição, e até mesmo definir o que se quer. Embora eu use o computador, tenha uma mesa digitalizadora e softwares para desenho, gosto de usar materiais artísticos para fazer minhas ilustrações. Isso acontece porque eu optei por isso e decidi que esse seria o meu jeito de fazer ilustrações. Faz parte do meu estilo. Não faço isso porque não sei usar os softwares, mas porque quero exercer a minha profissão utilizando os materiais que me agradam.

Algumas características que são valorizadas num ilustrador:

. compreender as necessidades e ideias do cliente

. entender sobre o nicho ou público que será atingido pelo mensagem da ilustração

. desenvolver ideias visuais para acompanhar a narrativa, que atendam às expectativas do cliente (editor ou autor)

. ter habilidades de desenho e da técnica escolhida para execução do trabalho

. cumprir metas e prazos

. entregar o trabalho conforme a solicitação do cliente (resolução, tipo de arquivo, etc)

Além disso, é imprescindível ter noções de administração, contabilidade, direito e marketing.

Antigamente, o ilustrador enviava os originais para a editora, que fazia todo o restante. Atualmente, o trabalho do ilustrador se expandiu de tal maneira, que às vezes enviamos tudo pronto, ajudamos a divulgar o livro, e a gerar a expectativa antes mesmo do lançamento da obra.

Concluindo, ser ilustrador não é apenas ser um desenhista. Desenhar é, sim, muito importante, mas é apenas uma parte. É necessário saber contar ideias visualmente, ser curioso, aprender mais sobre cultura, querer ter mais conhecimento, aprimorar-se sempre, desenvolver seu estilo e, principalmente, ter o desejo de criar. 🙂

Ilustrador – Compositor e Intérprete ao Mesmo Tempo

Existe um ditado em inglês que diz:

Comparison is the thief of joy. (Comparação é o ladrão da alegria)

O significado dessa frase é que, se você comparar seu trabalho com o de outros artistas, certamente ficará desmotivado. Mas será isso mesmo?

Um fato ao qual temos que nos acostumar é que – SEMPRE – vai ter alguém melhor e alguém pior do que nós. Só que aí eu pergunto: quem define o que é melhor ou pior?

Todos temos gostos diferentes e, o que uma pessoa gosta pode ser totalmente diferente do que outra gosta. Então, dizer que algo é melhor ou pior depende muito de quem avalia. Cada um tem seu gosto e vejo que, aquilo que uma pessoa acha lindo, outra acha muito feio. Uma vez estava com uma colega num museu em Veneza, numa visita da minha turma da Accademia – onde estudei – e eu estava admirando um quadro impressionista. Acho linda a combinação de cores, a alegria que transmite… E ela olhou e disse: “Acho muito sem graça esses quadros impressionistas. Quem viu um, já viu todos”. Enfim, a beleza está nos olhos do expectador.

Voltando à comparação, vejo que há vantagens e desvantagens em comparar seu trabalho com o de outras pessoas.

As desvantagens são que você pode achar que o seu trabalho não é tão bom e acabar desanimando, deixando de desenhar e consequentemente, de progredir. Afinal, só praticando é que vamos melhorar nosso trabalho. Entretanto, somente prática não basta. Se assim fosse, todos os cozinheiros do dia a dia já seriam chefs premiados, e todos os motoristas já teriam ganho a Fórmula 1. É também preciso aprender técnicas, aprender a ver, ser humilde e reconhecer que, por mais que alguém esteja no topo, daqui a pouco esse lugar será ocupado por outro. Não é assim todo ano? Quase todas as áreas tem o seu prêmio anual e alguém é considerado o melhor do ano (jogadores de futebol, chefs, ilustradores…)

Quando você observa e analisa ilustrações de outros artistas, pode aprender muita coisa. Não é à toa que pintores franceses – hoje famosos – ficavam no Louvre copiando quadros dos grandes mestres. Vale ressaltar que não estou falando de plágio. O plágio é crime e deve ser tratado como tal.

Quando alguém começa a aprender a tocar um instrumento, não fica inventando. As composições que toca foram feitas por outras pessoas. Se os músicos aprendem tocando algo que foi feito por outra pessoa, os artistas aprendizes costumam ser mal falados quando tentam desenhar algo que inspirado em outro artista.

Acho que é porque, quando você toca uma música, ela desvanece imediatamente. Mas quando desenha, fica no papel praticamente uma prova de que você desenhou algo inspirado em outro artista. Em ‘artists statements’ – declarações de artistas – é praticamente um requisito escrever quais outros artistas influenciaram o seu trabalho.

A verdade é que, mesmo inconscientemente, vários artistas incorporam ao seu estilo o que vêem e lhes agrada em outros trabalhos. Os indivíduos são fruto do seu meio, portanto, eles também receberam influências de outras pessoas. Se formos observar artistas conforme sua nacionalidade, fica evidente a influência de cada cultura na sua obra. Isso não quer dizer que o artista não inventa nada, mas ele pega trechos de influências que recebeu e cria algo “novo”. É como uma receita: você pode inventar o modo de fazer, mas quem criou os ingredientes (batata, cenoura, carne, etc) foi o Criador. E mesmo a manteiga, invenção humana, utiliza a criação de outra Pessoa – o leite – para que seja feita. Eu aconselho, porém, que evite copiar, mas tente produzir algo que seja somente seu.

Então, na verdade, somos todos criadores interligados. Criamos com materiais criados por outras pessoas, técnicas desenvolvidas por outras pessoas, e com base no que aprendemos com (ou de) outras pessoas. Fica mais que evidente que isso quer dizer que dependemos uns dos outros, não só para viver em sociedade, mas para progredirmos. E é por isso que temos também a obrigação, a meu ver, de ensinar o que aprendemos. Se o que sabemos hoje aprendemos com alguém, também não devemos reter o conhecimento que temos. Mesmo quem acha que sabe pouco tem alguém a ensinar.

Estamos numa fase onde as pessoas estão procurando não só um trabalho pra sobreviver, mas algo que lhes dê satisfação, que tenha propósito. E estamos no começo de uma nova era, onde você não precisa nem sair de casa para aprender.

Pensando em tudo isso que discutimos, será que é por isso que as pessoas tem tanto medo de começar sua carreira como artista? Será que tem medo de serem consideradas meras cópias de outros? Será que estão aguardando o “momento certo” para começar? A vida vai passando, e quando a gente vê, achamos que não dá mais tempo. Mas não precisa ser assim (veja essa postagem).

Sobre aprender observando ilustrações de outros artistas, considero um assunto polêmico, pois depende de cada pessoa que está aprendendo, e a linha entre inspiração e plágio pode ser muito sutil, ainda mais no mundo atual, onde o certo e o errado já se tornaram relativos…

Enfim, pra finalizar quero deixar uma frase que meu marido me disse, ao discutirmos sobre tudo isso que falamos acima:

Um ilustrador é o compositor e o intérprete de uma obra, simultaneamente.

(Frase de Alexandre Barros Neves, designer de produto).

O ilustrador compõe e materializa a sua ideia, praticamente ao mesmo tempo. Enquanto desenha, está compondo e colocando no papel a sua ideia, a sua obra. E diferentemente do que dizem as pessoas, que ficar desenhando pode ser fácil, é preciso tempo, esforço e dedicação para poder transformar ideias em imagens. E sobre isso, tenho mais a falar, mas fica para a semana que vem. 😉

Bom final de semana (em casa)!